4-SURREALISMO: los pintores de sueños

    El surrealismo comienza en 1924, en París, con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Bretón, quien define el movimiento como "el dictado de pensamiento carente de todo control ejercido por la razón y fuera de toda preocupación estética o moral".

     El origen del surrealismo es literario, pero lo trasciende para convertirse en una actitud ante la vida, crítica y a la vez constructiva. La declaración de intenciones del grupo aparece en ese Manifiesto al tiempo que se inicia la edición del periódico La Révolution Surréalista. Defienden las inconsciencia, el sueño y la locura e inauguran la primera exposición del surrealismo en la Galería Pierre de París con obras de Arp, Ernst, Ray, Klee, de Chirico, Masson, Miró, Picasso y Pierre Roy.

     A los surrealistas les fascinó el tema de los sueños, gracias a  las teorías del psicoanalista Sigmund Freud descubrieron el ego y lo irracional o subconsciente.

     Esta vanguardia comprende múltiples manifestaciones artísticas y culturales. En literatura, Paul Eluard o Louis Aragon, en el cine, Luis Buñuel, y también impregna la moda, el teatro, la publicidad, etc.

Antecedentes:

     Los antecedentes del surrealismo son lejanos. Algunos están en los mundos medievales o en obras maestras como la de El Bosco; otros son más cercanos, como el dadaismo, movimiento artístico anarquista nacido en la segunda década del siglo XX, como posición antitética, nihilista, negativa frente a un mundo –el occidental- empeñado en la destrucción.

Características:

      Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente  y el mundo de los sueños.  Rechazan la lógica racional y se preocupan por lo fantástico. Para ello utilizan los siguientes recursos:

-animación de lo inanimado,

-aislamiento de fragmentos anatómicos,

-elementos incongruentes,

-metamorfosis,

-máquinas fantásticas,

-relaciones entre desnudos y maquinaria,

-evocación del caos,

-representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías.

    

    

Dentro del surrealismo destacan dos variantes:

- el surrealismo figurativo, cuyo máximo representante fue Salvador Dalí, aunque también lo ejercieron pintores como Magritte, Max, Ernst, Tanguy, Delvaux y De Chirico, cuyas obras exhiben un realismo fotográfico aunque alejadas de la realidad.

- el surrealismo abstracto, representado por Joan Miró, Masson o Klee. Crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro.

Enlace vídeo:

http://www.artecreha.com/¿Qué_es..._/ique-es-el-surrealismo.html

Ernst (1891-1979)

Llegó a ser uno de los principales exponentes del surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.

     Crea mundos poblados por misteriosas figuras femeninas zoomorfas y animales antropomorfos, selvas frondosas, paisajes y ciudades petrificadas.

El elefante de las célebes

La ciudad entera

El silencio

Tanguy (1900-1985)

Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.

Viejo horizonte

Mamá, papá está herido

Giorgio de Chirico (1888-1978)

El trovador

Regreso del poeta

Magritte (1898-1976)

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.

Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.

Cómplices

Los amantes

Chagall (1887-1985)

Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje.

Cumpleaños

Por encima de la ciudad

Joan Miró (1893-1983)

"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

El carnaval del arlequín

     Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

Siesta

Interior holandés

Salvahttp://www.adevaherranz.es/Arte/Espana/Contemporanea/XX%20PIN/XX%20PINTURA%20%20Primera%20Mitad%20Grandes%20Pintores/XX%20PIN%20MIRO%20Joan/Joan%20Miro.htmdor Dalí (1904-1989)


Salvador Dalí (1904-1989)

    Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

     Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia.

     También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.

La persistencia de la memoria

La tentación de San Antonio

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

Fuentes:

http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

http://arte.laguia2000.com/pintura/el-surrealismo

http://www.pinturayartistas.com/surrealismo-los-pintores-de-suenos

3-EL FAUVISMO: revolución artística del color

    El fauvismo fue un movimiento artístico francés intenso y breve en el tiempo. La primera exhibición del grupo fue en París, 1905, en El Salón de Otoño de 1905, done un crítico de arte, Louis Vauxcelles, atribuyó a los trabajos expuestos el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas. Esta historia la recordaría el pintor Matisse, años más tarde, con las siguientes palabras:

     "Derain, Manguin, Marquet, Puy y algunos otros habían colgado juntos sus obras en una de las grandes galerías: el escultor Marque exponía un busto infantil de estilo italiano en el centro de la misma sala. Cuando Vauxcelles entró exclamó ; "¡Vaya, Donatello entre las fieras!" (fauves)".

     El movimiento se formó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.

     El fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido y no tenía un manifiesto. Cada artista acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Precedentes del fauvism:

    Para hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.

Característicias del Fauvismo:

     Sus características son básicamente la simplificación de las formas y el protagonismo del color. Los temas de las pinturas casi siempre eran retratos de una vida simple y feliz, así como desnudos, naturaleza muerta, personajes en interiores y paisajes hermosos.

     Las creaciones seguían los instintos primarios y no se preocupaban demasiado con técnicas o perfección. Los colores eran utilizados de forma independiente por lo que no estaban de acuerdo con la realidad, lo que se ha interpretado como una rebeldía  y a la vez como una expresividad que no se había visto hasta ese momento.

     Emplearon una pincelada violenta, espontánea,  directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscaban la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. 

     Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

     La aparición del fauvismo en Francia  fue paralela al expresionismo alemán, particularmente a los pintores del grupo Die Brücke. Ambos movimientos marcaron la aparición de lo emocional frente al estudio calculado y teórico de la realidad.

     Hacia 1908 comienza a deshacerse el grupo de los fauves, cada uno de sus componentes seguirán caminos divergente.  A partir de ese año, el cubismo asumió la vanguardia, a la que pronto se inclinarán Braque y Derain principalmente.

Enlace video:
http://www.artecreha.com/¿Qué_es..._/ique-es-el-fauvismo.html

Henri Matisse (1869-1954)

     Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.

    Su primera formación estuvo dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.

     La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.

  La alegria de vivir                                             

      La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.

La habitación roja

     Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.

La música

La danza

         Matisse dejó claras sus ideas acerca de la importancia del color en esta frase: "cuando pongto verde, no es hierba; cuando pongo azul, no es el cielo". Cuando miramos el retrato de Amélie Parayse, su esposa en el retrato de "La raya verde" lo que vemos es la imagen que el pintor tenía de ella a través del empleo de colores vivos, contrastados. Los rasgos del rostro no aparecen bien trazados, la nariz es una raya verde, la que da título a la obra. No hay fondo ni perspectiva.

La raya verde

       André Derain (1880-1954)

      La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.

Puente en Londres

     Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézane.

Las bañistas

    Le influyó el cubismo produciendo obras geométricas como El puente viejo de Cagnes y el primitivismo de la escultura africana. Sus últimas obras, posteriores a 1912 mostrarán cada vez más la influencia de estilos diversos.

    

    Maurice de Vlaminck (1876-1958)

    Es el autor de paisajes dramáticos que se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906).

Los árboles rojos

     Compartió un estudio con Derain. Admiraba a Cézanne y dijo del Cubismo que era demasiado intelectual y estéril. Pintó, sobre todo, paisajes tormentosos con sombras obscuras, intensos efectos de luz y cielos turbulentos  realizados en una técnica de denso empaste y vigorosa pincelada.

La casa azul

Raoul Dufy (1877-1953)

    Dufy comenzó a pintar a finales del siglo XIX con la influencia todavía cercana del Impresionismo. Pero sería la contemplación de un cuadro de Henri Matisse, en el Salón de los Independientes del año 1905, lo que marcaría el futuro de la pintura de Raoul Dufy.

La calle de las banderas

    El uso del color, potente e independiente de la realidad, de los fauvistas influiría en el conjunto de la larga carrera de Dufy. Pero frente a la agresividad de los fauvistas más rigurosos, los cuadros de Dufy son mucho más plácidos, tanto temática como formalmente.

Las tres sombrillas

George Roualt (1871-1958)

     Sus retratos melancólicos de reyes afligidos, de Cristo y de payasos le convirtieron en uno de los primeros exponentes del fauvismo y del expresionismo. Discípulo de Moreau, éste influyó en el estilo de sus primeros cuadros. Roualt progresó creando un estilo pictórico propio y distinto, caracterizado por claros por claros y brillantes rojos, azules y verdes, el uso del empate (pigmentos gruesos) y los fuertes contornos negros evocadores de su conocimiento de la técnica de las vidrieras.

     Su elección de temas como la Pasión de Cristo, Los jueces corruptos o Las prostituas reflejan su catolicismo devoto.

      Estuvo en la exposición Fauve de 1905 pero permaneció alejado de todos los grupos y tipos de estéticas y desarrolló una de las formas más puras del expresionismo.

El viejo rey

El soñador

Fuentes:

http://brevehistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/fauvismo.html

http://www.artecreha.com/El_Arte_y_su_mundo/raoul-dufy-el-fauvista-amable.html

http://redescolar.ilce.edu.mx/proyectos/arte_contempo_oto10/veinte4/carexp03.htm

1-LA HISTORIA DEL ARTE EN EL SIGLO XX: Sucesión de vanguardias

    El siglo XX es uno de los períodos más variados e innovadores de toda la Historia del Arte:

    Libertad, innovación y experimentación constante de formas de expresión (ya con el impresionismo y post-impresionismo se buscaron nuevos modos de representar la luz y el espacio) darán como resultado una sucesión vertiginosa de estilos y tendencias.

   

    

    Con el término  VANGUARDIA se designan las nuevas experimentaciones artísticas, literarias, musicales y teatrales que manifiestan un carácter de rebelión y de abierta ruptura con todas las formas artísticas dominantes y académicas y la sociedad dominante. Las vanguardias históricas reaccioan contra la idea del encorsetamiento en los museos y propugnan la necesidad de una renovación estética.

Fuente: "El siglo XX. Vanguardias". Ed. Electa. Varios autores.

2-VANGUARDIAS ARTISTICAS DEL SIGLO XX

     Tradicionalmente la pintura se ha ocupado de reflejar de forma realista retratos de nobles y reyes, de mitos y leyendas y acontecimientos históricos o religiosos.

     Los buenos artistas eran capaces, reflejando la realidad, de entrar en la psicología de los retratados, logrando gestos de carácter que permitían diferenciar un buen retrato de un mal retrato.

     Se suponía que el mundo tenía una estructura y una forma fijas, por lo que le correspondían unas formas invariables de representación visual.

    Con la llegada de las las noticias de las colonias, surge un interés por pintar paisajes evocadores, o desconocidos para Occidente. Como resultado que numerosos artistas comienzan a pintar paisajes desconocidos (romanticismo). La aparición de nuevos pigmentos más luminosos ayuda a difundir un nuevo estilo en el que ya no es necesaria la precisión en la pintura para comunicar un hecho artístico.

     Al Impresionismo, hacia 1860, lo califican los críticos como la pintura de impronta inacabada. La característica principal es la frescura. Los pintores impresionistas son dados a la vida social, cabarets, tertulias y suelen pintar su entorno.

París se convierte en el centro de la pintura (Manet, Monet, Renoir, Toulouse-Lautrec, Pisarro).

     Posteriormente, los pintores deciden poner una carga personal en los cuadros (Post-impresionismo), de forma que ya ni siquiera captan la luz real sino que aportan su personalidad, sus sentimientos sobre la escena que pintan consiguiendo paisajes de formas y colores más artificiales (Van Gogh, Gaugin, Cezane y Seurat).

     Con el comienzo del siglo XX nace el Fauvismo, artistas (Dufy, Andre Derain, Matisse y Vlaminiich) dan un paso más y muestran una pintura infantil, inocente, inundada de colores muy saturadas con el interés de centrarse en la pintura más que en la forma o el color. Para ellos el arte es la búsqueda de nuevas emociones que sugieran al observador experiencias distintas.

     Matisse es el principal pintor Fauvista, contemporáneo y amigo de Picasso, entre los dos darán un vuelco absoluto a la pintura del siglo XX. En apenas una década aparecen collage, cubismo, abstraccionismo, modernismo, expresionismo.

          Cubismo. La pintura cubista rompe hacia 1906 con todo lo establecido: luz, color, forma y estructura; poniendo perspectiva y figuras planas en un mismo plano, como queriendo representar alzado y perfil al mismo tiempo.Eso provoca una carga adicional de expresividad, simbolismo y simplificación para el observador.

CUBISMO: Picasso, Braque Léger, Gris

ABSTRACCIÓN Kandisky, Malewich, Mondrian, Tattin

EXPRESIONISMO: E. Munch, Roualt,Kirschner, Nolde


Expresionismo. 1915. Cubre grandes áreas de colores fuertes, contornos negros, gusto por la figura humana, gran expresividad y formadas quebradas.

     Hacia 1920 surge una Escuela de Viena, llamada Bauhaus, que aglutina en torno a ella unos arquitectos y diseñadores que influirán de manera rotunda en la pintura posterior.

Creador: Walter Gropius.

Es una escuela de diseño muy perfeccionista. Usa volúmenes simples, formas lineales y mucha calidad en los materiales.

    Simultáneamente surge como corriente intelectual el dadaismo, que utilizará materiales y objetos industriales como elementos artísticos a modo de protesta por la guerra mundial.

Es famosa la obra de Marcel Duchamp "El urinario".

Seguidores del dadaismo: Arthur Sagal, Francis Picabia y Jean Arp.

     El dadaismo dará baso al surrealismo donde los temás serán los sueños, el subconsciente, los paisajes oníricos (relojes de Dalí) G. de Chirico, Chagal, Erns, Moore (en esculturas).

     Tras la 2ª Guerra Mudial, el centro de arte se desplaza a Estados Unidos, donde en sus universidades darán clase los principales intelectuales y artistas perseguidos por Hitler.

     En la escuela de Chicago surgen nuevos movimientos como el expresionismo abstracto, minimalismo, informalismo y colorismo americano.

La pintura se vuelve cada vez más abstracta, pero también más compleja, con cuadros hechos a goterones o brochazos.

Dason Pollock, M. Rotheo, M. Tobey, A. Gorky, W de Kooning, Francisc Bacon, Julio González, Pablo Gargallo, Antonio Tapies (Informalismo).

    En contraste con el abstraccionismo, surge el Minimalismo: Cuadros grandes con un color y apenas un detalle que busca el protagonismo en la pintura, la intelectualidad.

Frank Stella, Fontana, Eduardo Chillida, Pablo Serrano,Cliford Stil, Nolen, Reinhard, Newman y Helen Frankentalen.

1960. Collage, Pop Art, Arte Cinético. Artistas: Jasper Jones, Hamilton, Warhol, Litchetstein, Weselman, E. Sempra, Juan Genovés, A. Calder.

En el cuadro cubista  "Las señoritas de Avignon", Picasso sintetiza el carácter simbólico de la pintura mostrando mujeres desnudas, nada sugerente. Inspirado en capiteles románicos y en las máscaras africanas tal vez pretende aportar un dramatismo al cuadro que de forma realista no tendría. Picasso fue el más grande artista del siglo XX. Abrazó todas las técnicas posibles desde el surrealismo al abstracto, del fauvismo al expresionismo, del cubismo al realismo.

Hacia 1910, la innovación se apodera de la expresión artista, El cuadro por fin es el protagonista. La pintura no tiene más objetivo que sí misma. Los abstraccionistas no quieren representar nada: la pintura es la pintura.

Pintores abstractos: Kandinski, Malevich

     El modernismo como contraste a la simplificación cubista, es más suave, suaviza los contornos. Degrada los tonos y se centra en la naturaleza, en las formas curvas, imitando en sus diseños, formas de troncos, ramos, flores... con un crecimiento orgánico.

Principales autores: Modigliani, Klimt, Gaudí.

(Fuente: clase del profesor de Plástica).

5-LA LECCIÓN DE LAS VANGUARDIAS

    A principios del siglo XX se inició un periodo de transformaciones aceleradas con el fauvismo y el cubismo que llevaría al arte mucho más lejos de lo que nadie entonces fue capaz de imaginar. No consistió sólo en ir contras la formas del arte académico sino que se inició un viaje sin retorno que ha revolucionado  la historia del arte.

   Los artistas elegían sus propias leyes y todo era posible en el ámbito de la creación y realizaron  exploraciones líricas que descubrían el valor emotivo de los colores y sus combinaciones o pasaron del plano del cuadro al volumen tridimensional con estructuras geométricas racionales.

  Con las vanguardias artísticas no sólo las transformaciones en el interior de las obras fueron enormes sino que se creó una nueva relación entre la obra y el espectador. Un ejemplo de ello fue "Un ruido secreto" de Marcel Duchamp (1916) creado para que el público lo tocara, lo diera vueltas, escuchara el ruido y se preguntara qué había dentro.

(Fuente: "El arte de las vanguardias" de Juan Antonio Ramírez